Cinéma, mon amour de Driss Chouika: Pink Floyd, the wall, un traitement audiovisuel de l'aliénation et du trauma

Plus de quarante ans après sa sortie, Pink Floyd: The Wall d’Alan Parker conserve toute sa puissance visuelle et émotionnelle. Dans sa chronique « Cinéma, mon amour », Driss Chouika revisite cette œuvre culte de l’opéra-rock, où les blessures de l’enfance, la solitude et l’aliénation nourrissent une lente dérive psychique. Entre séquences hallucinatoires, animations saisissantes et musique de Pink Floyd, le film explore les mécanismes qui transforment la souffrance individuelle en enfermement et le ressentiment en tentation totalitaire.

Driss Chouika

« L'idée m'attirait parce que cela signifiait que je pouvais participer indirectement à un projet dans lequel j'avais placé de grands espoirs, sans avoir à fournir le sang et la sueur qu'exige la réalisation ».

Alan Parker

Sorti en juillet 1982 en France et au Royaume-Uni, et en aout 1982 aux Etats-Unis, le film « Pink Floyd : The Wall » d’Alan Parker est devenu et resté depuis un chef-d'œuvre dans le genre opéra-rock, un film culte. C’est une expérience audiovisuelle à la fois intense et unique, montant habilement des scènes cauchemardesques et apocalyptiques animées avec d’autres filmées en prises de vues réelles, laissant une impression indélébile.

« Pink Floyd: The Wall » n'est pas un film bien agréable à voir. C'est une espèce de coup de poing lancé à la figure du spectateur, une injection d'angoisse de 95 minutes. Basé sur un texte écrit par Roger Waters, utilisant des animations de Gerald Scarfe et avec une magnifique interprétation de Bob Geldof dans le rôle principal, la réalisation de Alan Parker raconte habilement l'effondrement psychique de « Pink », une rock star qui, vivant en isolement volontaire, finit par se métamorphoser en agitateur fasciste dans ses propres hallucinations. Quarante ans après sa sortie, le film n’a rien perdu de sa valeur, qui tient précisément à son refus de toute consolation facile et de toute réduction à une fable politique ou à une étude de cas psychologique.

UN TRAITEMENT AUDIOVISUEL DE L'ALIÉNATION ET DU TRAUMA

Effectivement, le film présente une profonde analyse de l’aliénation et du trauma, et aussi de la tentation totalitaire. Il est construit comme un miroir tendu vers la manière dont le trauma se transforme en ressentiment, le ressentiment en mur, et le mur en berceau de la tyrannie. La logique narrative du film repose sur une hypothèse presque clinique : l'effondrement de la personnalité n'est jamais un événement soudain, mais l'accumulation de couches de trauma. Le mur de « Pink possède une histoire architecturale précise. La première brique vient de la mort du père. Tombé à Anzio pendant la Seconde Guerre Mondiale, il ne laisse à son fils qu'une photographie et un vide identitaire, une autre brique dans le mur. L'image du téléphone revient obsessionnellement : le père tentant d'appeler depuis la tranchée, interrompu par les obus ; puis « Pink » adulte composant un numéro à l'étranger pour joindre sa femme et n'obtenant qu'une tonalité occupée. Ces deux scènes forment une ligne de déconnexion traversant la vie et la mort. L'absence du père n'est pas une simple perte : c'est un silence structurel, qui prive « Pink » dès l'origine de tout point d'ancrage extérieur.

La deuxième brique vient du système éducatif. La séquence animée « Another Brick in the Wall, Part 2 » transforme les élèves en chair uniforme poussée vers un hachoir. Le professeur hurle « Si tu ne manges pas ta viande, tu n'auras pas de dessert » : archétype de la violence autoritaire. La force de ce passage ne réside pas dans son réalisme, mais dans la visualisation crue de la nature de la discipline. L'éducation n'est plus émancipation, mais production standardisée. Ainsi, la boucle est bouclée : chaque enfant finit par devenir « une autre brique dans le mur ».

La troisième brique vient de la mère. Dans « Mother », les figures féminines du film, la mère comme l'épouse infidèle, sont construites comme des entités oppressives et dominatrices , le ressentiment de Pink envers les femmes devenant l'un des moteurs internes de sa muraille. Ainsi, il est indéniable que le film présente l'intimité comme étouffement plutôt que comme nourriture.

Ces trois traumas , absence structurelle du père, violence normative de l'école, contrôle dévorant de la mère, constituent le socle du « mur ». Finalement, les moyens narratifs du film entretiennent une correspondance presque directe avec une vision psychotique du sujet.

L'aliénation de Pink présente une structure paradoxale. En tant que rock star, il possède la gloire, la fortune et l'adoration d'innombrables inconnus ; en tant qu'être humain, il a perdu jusqu'à la capacité de se lier. Ce que Pink fuit n'est pas une blessure précise, mais toute relation susceptible de le traverser. Cette aliénation trouve une traduction audiovisuelle précise. Le film use abondamment du montage parallèle, entrecroisant l'isolement de Pink dans sa chambre avec des images de guerre à la télévision.

Puis, le point culminant du film est la séquence du « Procès ». Dans son hallucination, Pink est traduit devant un tribunal ; son professeur, sa femme et sa mère défilent comme témoins, avant qu'un juge minuscule ne prononce la sentence.

FILMOGRAPHIE SÉLECTIVE DE ALAN PARKER

« Du rififi chez les mômes » (1976) ; « Midnight Express » (1978) ; « Fame » (1980) ; « L'Usure du temps » (1982) ; « Pink Floyd: The Wall » (1982) ; « Birdy » (1984) ; « Angel Heart » (1987) ; « Mississippi Burning » (1988) ; « Bienvenue au Paradis » (1990) ; « The Commitments » (1991) ; « Aux bons soins du docteur Kellogg » (1994) ; « Evita » (1996) ; « Les Cendres d'Angela » (1999) ; « La Vie de David Gale » (2003).